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Audiovisual

Oct252013
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Redacción

Roberto canuto -elrollohigienico.com

"Ni Jing: Thou Shalt Not Steal", la película codirigida por Roberto Canuto y Xiaoxi Xu, participará en la Sección Oficial del X Festival Internacional Fenaco Perú, del 13 al 16 de Noviembre, y competirá en el 7th Riverside Saginaw Film Festival, en Michigan, USA, del 7 al 10 de Noviembre, en la que será su World Premier, también ha sido seleccionado en el FICXixon 2013, 51 Gijon International Film Festival. El corto, rodado íntegramente en China, está inspirado en hechos reales. Se filmó en Chengdú, utilizando el dialecto local. Narra la historia de una joven china que debe enfrentarse a una traición tras despertar en un paraje remoto cubierta de sangre.

Canuto y Xiaoxi obtuvieron varios éxitos internacionales el año pasado con su trabajo "Toto Forever", filmado en Los Ángeles.

Entrevistamos a los dos directores para conocer más profundamente la experiencia del rodaje de este trabajo, que ha contado con los actores Sherry Xia Ruihong y Xia Ruihong en los papeles principales.

Ni Jing Elrollohigienico

ERH: 'Ni Jing: No Robarás' está rodado utilizando conjuntamente el dialecto local y el mandarín ¿Quiere decir esto que está pensada en principio para el público chino?

Xiaoxi: No hemos pensado en un publico local a la hora de escribir el guión. La historia está ambientada en Chengdu, ciudad donde la gran parte de la población utiliza este dialecto para comunicarse. Utilizan el mandarín sólo cuando se relacionan con personas de otras partes de China. En "Ni Jing: No Robarás" esto sucede con el personaje Chen Zhong, originario de Henan.

El hecho de utilizar el dialecto ha creado cierta polémica porque, como norma no escrita, se suele utilizar solamente el mandarín en todas las obras de ficción a excepción de las comedias.

Al ser una historia basada en hechos reales y ambientada en esta región, la elección era bastante obvia.

ERH: ¿Son diferentes los comportamientos y prejuicios que se dan en una aldea rural china a los que podríamos encontrar en una aldea española, si los hechos hubiesen ocurrido aquí?

Roberto: Estamos hablando de culturas muy distintas, ambas con un desarrollo histórico muy particular y tradiciones muy arraigadas. Siempre se pueden encontrar similitudes, principalmente el hecho de que no se acepten los cambios sociales o se tienda a enjuiciar a quien es diferente del resto. Esto es universal. Quizás en España no haya tantas diferencias entre el modo de vida rural y urbano como en China. De todas formas, hablamos de un país que está experimentando cambios muy intensos en los últimos años, que se pueden observar en periodos muy cortos de tiempo. Por ejemplo, la sociedad se ha occidentalizado mucho desde que llegué a China hace solo año y medio hasta estos momentos. Es un proceso que puede asustar por su velocidad, pero a la vez es muy estimulante.

 Ni.Jing Elrollohigienico

ERH: En una época en la que la cinematografía española vive básicamente de las subvenciones ¿Cómo habéis abordado este proyecto? ¿Cuáles han sido las vías de financiación que habéis utilizado?

Roberto: Es un proyecto de muy bajo presupuesto y sin ninguna subvención. Principalmente se ha financiado con aportes de la familia y ahorros. Sin dejar de lado la participación de amigos que nos han ayudado desinteresadamente. Para nosotros fue importante ver hasta qué punto era posible crear una obra independiente en China. En próximos proyectos el planteamiento va a cambiar. Si queremos producir un largometraje aquí debemos tener en cuenta aspectos como las licencias oficiales para exhibición y rodaje. Pero en este caso, al tratarse de un cortometraje, que aquí se encasilla dentro de un fenómeno nuevo denominado "Macrofilms", no hemos tenido demasiadas restricciones porque aún no tiene normas reguladoras muy específicas. "Macrofilms" son obras de corta duración, subvencionadas normalmente por compañías, que utilizan una narrativa convencional para enmascarar la promoción de productos y con vías a exhibirse en internet. Pero todos los cortometraje se tienden a encasillar en esta categoría. Aquí no existen prácticamente festivales de cine, por lo que la audiencia no está acostumbrada a ver cortometrajes.

ERH: ¿Ha sido fácil poner de acuerdo las dos mentes, oriental y occidental, para codirigir este proyecto?

Xiaoxi: Llevamos ya varios años colaborando en todos los proyectos audiovisuales que realizamos, tanto de ficción como en publicidad. Al rodar por primera vez en China ha habido aspectos que hemos tenido que adaptar; no tanto en el terreno de la dirección sino, más bien, en aspectos de producción y comunicación con compañías locales. En nuestro caso el hecho de proceder de culturas diferentes sirve más como estímulo, al poder analizar situaciones desde diferentes perspectivas, que un obstáculo para desarrollar el proyecto.

Ni Jing Shooting 3

ERH: ¿Cómo ha sido el rodaje y cuál la experiencia con los actores?

Xiaoxi: Ha sido intenso, en ocasiones complejo, pero muy interesante. Desde el casting de actores hasta la post-producción. Estamos en una región, Sichuan, sin tradición de productos audiovisuales de ficción, a excepción de teleseries en televisiones locales. Organizamos varios castings para encontrar a los jóvenes protagonistas. Xia Ruihong y Wan Yinhui son actores que habían participado en funciones de teatro, pero sin experiencia en rodajes cinematográficos o televisivos. El trabajo de pre-producción y los ensayos fueron muy importantes. Ambos mostraron un gran entusiasmo y se mostraron muy receptivos. Estamos muy contentos con el resultado final.

ERH: 'Toto Forever' es una cinta que ha dado mucho que hablar. Me imagino que ese precedente os habrá obligado a superaros en este nuevo proyecto.

Roberto: Se trata de proyectos muy distintos. En cada nuevo proyecto intentamos adaptarnos a las circunstancias y principalmente analizar los objetivos y los resultados. "Toto Forever" consiguió una gran repercusión, inesperada al tratarse de un cortometraje rodado en la escuela de cine. Se exhibió en cerca de treinta festivales internacionales. En este caso la temática y el estilo son muy distintos. No sabemos aún el interés que puede despertar, pero esperamos que sirva de trampolín para poder realizar obras de ficción en China, mucho mas ambiciosas y, a ser posible, con participación europea. Si obtiene una repercusión parecida a "Toto Forever" estaremos satisfechos.

ERH: ¿Cómo ha sido la intervención de Andrea Centazzo en la banda sonora?

Xiaoxi: Llevamos colaborando con Andrea Centazzo desde 2008 y esta es nuestra cuarta película con él, después de "Mei Mei", "Toto Forever" y "Desire Street". Siempre ha mostrado un gran interés en las culturas orientales y fue muy entusiasta al ver las primeras imágenes y la historia que intentamos contar. Es un gran artista que se sabe adaptar muy bien a las historias y crea una atmósfera única en las escenas, manteniendo a la vez su personalidad en la composición. En este caso, ha creado una banda sonora muy elaborada, mostrando una evolución desde los temas mas electrónicos y experimentales de las primeras secuencias, a temas mas románticos en las escenas finales, que ayudan a entender el significado desde la emoción que producen.

Andrea Centazzo ha sido un gran apoyo en el proyecto y su contribución ha enriquecido notablemente el resultado final.

Ni Jing Elrollohigienico  -

ERH: ¿Tu estancia en diferentes países te ha vuelto más tolerante, eres más permisivo o más crítico con la cultura china?

Xiaoxi: Quizás el pasar varios años viviendo en diferentes culturas ha servido para ver mi sociedad desde una perspectiva diferente y ha hecho que aprecie y respete sus diferencias con otras culturas. En todos lados puedes encontrar aspectos positivos y negativos.

Creo que mi visión de China ha cambiado, y quizás sirva para saber adaptarme mejor a los cambios que está experimentando mi país en estos años.

ERH: Si hablamos de pintura, la occidental se suele diferenciar de la oriental por ser más matérica, menos sutil, en definitiva, más grosera. El cine llega a Oriente desde Occidente, y en la actualidad, en esta cultura de mestizaje en la que estamos sumergidos cómo se combinan estas dos facturas.

Xiaoxi: En estos momentos se están produciendo grandes influencias occidentales en todos los aspectos culturales. Esta mezcla puede ser enriquecedora, pero se corre el riesgo de perder la identidad. Esto se ve reflejado sobre todo en el cine, que se está convirtiendo en un espectáculo de masas, aumentando espectadores de forma espectacular (contrariamente a lo que está sucediendo en Europa). Una buena parte de las películas que se ven en el cine son producciones de Hollywood y las restantes son en su mayor parte copias chinas de este estilo de producción y narración. En otras artes se está produciendo el mestizaje, pero se preservan muchos rasgos de identidad.

NIJING.STILL-Elrollohigienico

ERH: ¿Cómo es la industria del cine en China?

Xiaoxi: En la actualidad la industria del cine está creciendo, pero debe mejorar en muchos aspectos y sobre todo diversificarse la oferta. Hay limitaciones por aspectos como la censura (sólo determinadas temáticas se pueden rodar y exhibir). La idea de que no haya festivales o fondos que apoyen a directores independientes (que tienen cerrada las puertas a la distribución) está lastrando la diversidad de oferta y la creación en general. Se pueden apreciar cambios, pero mucho mas lentos que en otros aspectos como la evolución de la economía o la gran apertura al capitalismo.

Última actualización el Oct292013
 
Sep182012
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Redacción

Entrevista a Miguel Machalski

El año pasado, cuando Antena Media realizó la convocatoria para el encuentro de guionistas con Miguel Machalski, tuvimos un encuentro informal con el autor en la azotea del hotel Plaza de Armas de Sevilla. La entrevista, prevista en un principio para 15 minutos, triplicó su tiempo pese al viento implacable que azotaba al audio.

Antena MEDIA Andalucía y Sources convocan de nuevo a los guionistas para el 20 y 21 de septiembre de este año, en el marco de una iniciativa de formación organizada. Cinco proyectos andaluces recibirán asesoramiento gratuito y personalizado por parte de Miguel Machalski, asesor de guiones, docente y veterano colaborador de abcguionistas y Ars-Media.

Miguel Machalski es especialista en desarrollo de guiones cinematográficos, análisis, asesoría, docencia, traducción y escritura. Ha impartido talleres en Europa, América Latina y Asia, interviene como asesor en proyectos procedentes de todas partes del mundo para grandes productoras internacionales además de ser autor de los libros "El guion cinematográfico: un viaje azaroso" (2006) y "El punto G del guion cinematográfico" (2009).

Última actualización el Sep182012
   
Sep142012
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Redacción

Entrevista a Pilar Távora

Nos encontramos con Pilar Távora en la Plaza de San Marcos de Sevilla para hablar de ese espacio común que es la identidad andaluza, su derecho como autora a contar, a narrar con esa resonancia emocional que siempre gravita en torno al artista comprometido, y de los retos de la nueva realidad social y profesional en la que estamos inmersos.

ERH - El ambiente que se respira en el ámbito de la cultura es asfixiante. Pese al panorama, hay voces optimistas que afirman que en épocas de sequía económica se activa el ingenio creativo ¿Tú te lo crees?

PT - Bueno, el ingenio creativo es independiente de la economía, sí es cierto que puede agudizarse el ingenio para "adaptarse" a esta situación. Es razonable pensar que la tranquilidad de la supervivencia te permite reflexionar y crear de otra manera, concentrar tus esfuerzos en lo que estás haciendo. Si estás escribiendo, por ejemplo, y no sabes cómo te las vas a arreglar para ir ese día al supermercado, en mi opinión la creatividad es menor. Más que con lo económico tiene que ver con lo emotivo..., en este terreno la felicidad es menos creativa que el dolor.

ERH - Tú eres realizadora, productora, creadora y mujer, pero tienes una firme conciencia crítica que no te permite rendir tributo por encima de tus principios ¿Cómo llevas esta actitud peleona y cómo afrontas el futuro más inmediato con tu perfil?

PT - Si hay algo que tengo claro es que no venimos al mundo para vendernos ni para rendir pleitesía a nadie. Yo vengo de una familia que nunca ha sido complaciente en el arte ni se ha vendido a nadie. Mi familia es muy luchadora, de muy atrás, y yo he vivido en ese ambiente del esfuerzo, he aprendido esos principios de mis padres, de mis abuelos. Tenemos que intentar dejar el mundo mejor de lo que lo hemos encontrado, esa es nuestra misión, y hacerlo desde la coherencia con uno mismo, con la satisfacción de saber que no te has vendido por alcanzar ese estatus económico, social o personal que se empeñan en vendernos como la panacea de la felicidad y el éxito. Yo me siento bien siendo fiel a mis principios, consciente de todas las desventajas de esta forma de ser.

En cuanto al futuro puedo decir que estamos acostumbrados a esta situación de incertidumbre en el arte y teniendo en cuenta, además, que no hemos comulgado con ruedas de molino, ni nos hemos acercado a las corrientes del poder. La lucha por sacar nuestros proyectos a la luz ha sido una constante en mi carrera como productora y directora.

Pero esta crisis nos viene mal a todos no sólo en la cultura por la pérdida de apoyos. Si la gente no va a poder consumir cultura por la subida de precios ¿cómo puede sostenerse el producto cultural? Si el potencial hacia donde va dirigido tu trabajo, que es el público, no puede acceder a él, el futuro no es muy prometedor. A mí se me ocurre que habrá que salir adelante con imaginación, como siempre se ha hecho, adaptándonos a los nuevos tiempos, pensando en nuevos productos y caminando siempre hacia delante. No parar, esa es mi forma de enfrentarme al futuro. Sobre todo porque el creador tiene esa necesidad vital de expresar, de hacer. Será duro para todos, y para nosotras como mujeres mucho más, pero nos tendremos que reinventar, salir fuera y, sobretodo, perder el miedo. Quizás los que estamos acostumbrados a que todo nos cueste trabajo, sentiremos menos la crisis.

Madre Amadísima Pilar Távora

ERH - Hablemos de las subvenciones y esa crítica constante hacia este procedimiento de apoyo institucional que existe en muchos sectores y sólo es discutido en el mundo de la cultura.

PT - Las subvenciones en el sector de la cultura están muy mal vistas, y esto se debe a un desconocimiento total del tema. En cine, lo máximo que recibes teniendo mucha suerte, es el 50% de tu proyecto; el resto lo tienes que financiar vía préstamo bancario, que obviamente tienes que avalar y devolver con intereses. A la administración le tienes que justificar el 100% del gasto total mediante una auditoría.

Esto quiere decir que en cada proyecto te la juegas. Pones como aval la casa de tus hijos, tu seguridad económica, tu futuro, y compras la papeleta. Si después el público no responde como esperabas, o los distribuidores no hacen bien su trabajo y la película no llega donde debe, ni con las condiciones de promoción necesarias, perdiste la apuesta. Somos una profesión de alto riesgo.

Habrá gente que se lo ha montado bien y a ellos les ha dado para ganar dinero; han sido más condescendientes o más afines a corrientes concretas. Yo no sé hacerlo de otra manera que arriesgando, debiendo y pagando. Por esta razón me cuesta oír comentarios que nos afectan a todo el colectivo y no sólo a algunos privilegiados. No nos pueden meter a todos en el mismo saco.

ERH - ¿Crees que directores con una marca internacional consolidada deberían recibir subvenciones?

PT - No, creo que no deberían acudir a los apoyos económicos porque tienen una capacidad de distribución que no tienen otros compañeros. Es una cuestión de equidad. La cantidad que ellos perciben se la restan a otros cineastas que se mueven en otros parámetros y que no tienen sus mismas posibilidades. No se trata de un tipo de cine u otro, se trata de compensar; porque, a fin de cuentas, a todos nos cuesta lo mismo hacer una película; es decir, todos contratamos actores, equipos, hoteles, viajes..., pero no todos tenemos abierto el mercado en las mismas condiciones para vender nuestro producto. Por diferentes razones que no siempre son el producto en sí mismo.

ERH - Las nuevas tecnologías han cambiado no sólo la forma de consumir, también la forma de hacer, de producir. ¿Está la industria española haciendo la evolución de forma pacífica?

PT - Está costando trabajo. Hay un sector de gente joven que ha comenzado su andadura con este panorama digital; el resto nos tenemos que adaptar y apostamos por la renovación tanto en las formas de producir como en los canales de distribución.

El problema estriba, ya no tanto en la adaptación al nuevo panorama tecnológico que estamos asimilando los creadores y productores, sino al hecho de que el consumidor de productos culturales a través de internet se está acostumbrando a tenerlos gratis.

Estamos de acuerdo en que si los medios han abaratado la producción también se debe abaratar el consumo. Pero hay que poner un precio. Es importante distinguir entre el que produce sólo para internet a título de aficionado, que no come de esto en definitiva, y el profesional, que tiene su medio de vida en los productos que lanza al mercado, fruto de su trabajo.

Internet es un medio genial que se puede vender a un euro, o a euro y medio, lo que te cuesta una caña. A la caña nadie le discute el precio, a la cultura, sí. Se ha acostumbrado al usuario a usar gratis lo que debe tener un precio. La cultura no es gratis. Detrás de cada película, cada disco, cada libro hay una o muchas personas que han realizado un trabajo, han apostado económicamente, y también necesitan vivir de su trabajo, como todos. Esta es una realidad que debería entenderse sin más, por lógica. Pero no es así.

ERH - ¿Qué sientes cuando se habla de nuestra Comunidad con tanta ligereza?

PT - Yo siempre he luchado contra los tópicos apelando a los valores andaluces. Si el tópico de Andalucía es el flamenco, no renunciemos a él. Hagamos lo contrario: sacarlo del tópico revalorizándolo, mostrando su realidad, su sentido profundo. Sólo reivindicando nuestra cultura milenaria dejaremos atrás el tópico. Si nuestra identidad se ha vendido como bisutería tenemos la obligación de mostrar que es una joya y demostrarlo. Me siento ofendida, avergonzada muchas veces, cuando nos venden como bisutería. Y me siento orgullosa cuando veo las señas de identidad en su sitio. Pero es cierto que en ocasiones he pasado mucha, mucha vergüenza.

ERH - ¿Desde los poderes públicos se vende esta Andalucía de alto voltaje?

PT - Para nada. La democracia me decepcionó mucho al comprobar que se seguía vendiendo la Andalucía folclórica, perpetuadora de la tradición de la España franquista. Me decepcionó ver que la mayoría de los artistas y las instituciones no hacían nada para cambiar nuestra imagen. Me decepcionó comprender que los valores auténticos, reales y profundos del ser andaluz no iban a ser defendidos.

La cultura andaluza no ha tenido el reconocimiento que se merece; tampoco se ha arropado moralmente a los que han luchado por darle ese reconocimiento. En Andalucía se dan medallas sin ningún tipo de pudor a gente que no ha hecho nunca nada por esta tierra, nada. Al propio Carlos Cano, no se le dio en vida, era menos molesto muerto y se le dio a título póstumo. Cuestiones de ideología y coherencia, supongo.

Madre Amadísima de Pilar Távora

ERH - ¿Tenemos los andaluces algo de qué avergonzarnos?

PT - De no tener conciencia de pueblo milenario, con una historia singular y rica. Hay un desconocimiento absoluto de los valores andaluces. Pero no es culpa de los andaluces. A los poderes andaluces y centralistas no les han convenido que conociéramos esos valores, que tuviésemos conciencia de quienes somos y de nuestro poder. Se apoderaron de ciertos símbolos para que se apurgararan en las vitrinas; de vez en cuando, cada 28F le echaban unas gotitas de alcanfor y misión cumplida. No les ha convenido trabajar en los colegios, en las universidades. Nuestra cultura tiene mucha fuerza, ejerce un importante valor de atracción también de cara al exterior, lo nuestro forma parte del arte. El folclore existe en todas partes, en toda Europa, pero no tiene unos rasgos identitarios tan poderosos como nuestra cultura. Quizás tendríamos que avergonzarnos de no habernos dado cuenta en tantos años de democracia.

ERH - ¿Hay manera de adecentar la tan deteriorada imagen de los políticos en nuestro país?

PT - Pienso que está deteriorada de forma injusta. Hay mucha gente que trabaja duro por sus vecinos, políticos de cualquier partido que hacen una labor magnífica por los ciudadanos, pero eso no se valora. Es verdad que hay mucho corrupto, y de igual modo hay miles de alcaldes, diputados, concejales que se parten la cara por cambiar las cosas, por prestar un servicio al ciudadano desde la honradez y el esfuerzo. España tiene un problema, somos un país con un sentido de la autocrítica patológico, hablamos muy mal de lo nuestro, nos echamos tierra sobre nosotros mismos. Tendríamos que ser más benévolos, curarnos ese defecto que no hace ningún bien, sin dejar de ser críticos y pulir los defectos.

Los medios de comunicación tienen mucha culpa porque nunca han hecho un ejercicio de recuperación de la confianza en la política en el estado español. Vemos en televisión cómo se prestan orejas a cualquiera; se permite el insulto, la ofensa; y se hace oídos sordos a mucha gente que podría dar ejemplo de buen hacer, de solidaridad, de sacrificio por el prójimo. Pero vende lo que vende.

ERH - Madre amadísima, tu última película, vuelve a poner el dedo en la llaga al presentar a un colectivo muy olvidado ¿Cómo se ha entendido, cómo te ha funcionado?

PT - A nivel de receptividad, de muestras de cariño, elogio, y admiración, me siento plenamente recompensada, ha sido una de las experiencias más interesantes que he tenido. Con Yerma, fuera de España -y dentro- también la tuve. Esta es la parte del arte por la que lo das todo.

En el terreno económico es otro cantar. La distribución no se ha hecho en condiciones y no ha llegado donde debería. Son los gajes de no comulgar con nadie. Yo siempre me he mantenido fiel a mis principios y soy de las que piensan que los negocios no se hacen en los bares ni hay que pasar por la capital del Estado para conseguir la bendición. Hay que pasar porque es un lugar más donde se debe llegar.

Entiendo que el contenido de Madre amadísima puede que no sea del agrado de los que suben o bajan una película, que no es oportunista y que, como siempre, intenta abrirse camino sin padrinos; pero es mi trabajo como artista, lo he hecho con una gran dignidad, y te puedo decir que es muy grato, estoy muy satisfecha del resultado aunque no sea tan rentable como hubiese podido ser. Los dos actores se merecían la nominación a los Goya, no tengo la menor duda, pero no hago pasillos ni frecuento Madrid y ya sabes que los que votan –votamos- son los académicos.

El arte es un arma para sacudir, no para agradar ni para conseguir premios, y yo me retrato ideológicamente y como mujer y como andaluza, ese es mi compromiso, un riesgo que no te deja entrar en los circuitos comerciales.

ERH - ¿Cómo crees que se está retratando la intelectualidad de nuestro país en estos momentos tan tensos?

PT - Está pasando lo que ha pasado siempre. Hay gente que piensa que el arte es una cosa y la política otra. El arte es compromiso con la sociedad, un arma de agitación y de vanguardia, un motor de arranque. Si el arte no es compromiso o enfrentamiento con el poder cuando es necesario el arte no es útil, es complaciente y autocomplaciente. Y no sirve para nada. Hay artistas que estiman que para comer hay que hacer cualquier cosa, sea lo que sea, son los funcionarios del arte. Yo no soy ninguna heroína, sólo soy coherente con lo que hago y con lo que pienso. No juzgo a nadie, ni critico a nadie por hacer otra cosa, cada cual sabrá lo que hace, pero yo he podido vivir sin aceptar entrar en el juego. Es más, si tuviera que entrar en el juego, quizás me dedicara a otra cosa para vivir. Lo preferiría.

Hay demasiada gente con miedo a la administración, por eso quizás se escuchan pocas voces en la cultura, aunque parece que en estos últimos días la cosa, afortunadamente, está cambiando.

ERH - Para terminar, cuéntanos en qué andas metida en estos momentos.

PT - En varios proyectos. Acabo de entregar una serie a Canal Sur llamada Gitanos Andaluces, que derriba los tópicos sobre los gitanos. Paralelamente estoy viendo la posibilidad de poner en marcha el rodaje de mi próxima película, "Siete Testigos", en enero del próximo año. Estos dos trabajos junto al documental dedicado a Diego Amador, que terminé hace unos meses, forman parte de un proyecto dedicado al mundo gitano a través de una trilogía con tres obras de formato distinto, la película, la serie de televisión y el documental.

También estoy con la grabación del piloto de un proyecto que tengo con Richard Villalón, que es un programa musical de entrevistas pero con un criterio estético y de contenido muy diferente del formato que todos conocemos.

Y finalmente, ultimando los preparativos del espectáculo "Vaivén Flamenco", que se estrenará en octubre y después llevaremos a Argentina. "Vaivén Flamenco" parte de un concepto que no sólo abarca el baile, sino que indaga en los sentimientos, en la historia que se produce a partir del encuentro de Andalucía y Latinoamérica. Por esta razón queremos girarlo por todo el continente y, por supuesto, aquí en nuestro país y en el Estado español.

Además, estoy terminando de escribir otro guión, una película que tiene mucho que ver con el mundo de la mujer. Y poemas, relatos, proyectos e ideas para televisión... Un no parar vamos.

Gracias Pilar.

(Fotografías del rodaje de Madre Amadísima)


Última actualización el Sep142012
   
Ago242012
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Redacción

Daniel Martín Novel, guionista y realizador de MUDO

MUDO es un adolescente huérfano que vive del pastoreo de ovejas en la periferia de la ciudad. Su única familia son Alfredo, dueño del rebaño, camello de poca monta y buscavidas sin escrúpulos; María, prostituta y novia de Alfredo, que trata a Mudo como a un amigo; y Toro, el perro de Alfredo.

Daniel Martín Novel, guionista y director de MUDO, que se empezará a rodar en breve con la coproducción de Impronta Films (España) y Hollística Comunicaciones (Argentina), lleva dedicado al mundo audiovisual desde el año 2000. Daniel ha trabajado para diversas empresas en los ámbitos de la producción y como guionista hasta entrar a formar parte del equipo del Grupo Prisa (CNN+ / Plural) como realizador. También ha participado en calidad de realizador y en labores de producción en proyectos nacionales e internacionales para diversas productoras cinematográficas y de televisión como BBC (UK), MLK Producciones, Producciones Transatlánticas, Teyso Media, Loasur o Impronta Films.

Centrado a nivel profesional en el mundo de la televisión y la publicidad, desarrolla en paralelo sus propios proyectos de ficción y documental, obteniendo numerosos éxitos en festivales como en el Festival de Málaga de Cine Español.

En la actualidad, perfila los detalles de rodaje de MUDO, un proyecto de largometraje de ficción que recibió la Ayuda al desarrollo de Largometraje de ICAA en 2009, y que ha sido seleccionado en importantes foros de desarrollo y mercado audiovisual como el Encuentro de Coproducción (Capital Regions for Cinema) del Festival Internacional de Cine de Berlín (2012); Selección Cinefilia, desarrollo de proyectos de Medellín, Colombia (2012); Selección para Iberoamerican Films Crossing Borders del Festival Internacional de Cine de México (2012); Selección para Puentes Lab / EAVE, en Montevideo (Uruguay); Selección para AustraLab / EAVE (Chile); Selección para el Holland Film Meeting, en el Nederlands Film Festival (Holanda).

Hablamos con Daniel Martín Novel sobre el oficio de guionista y MUDO, la que será su ópera prima.

ERH - ¿Qué te motivó a involucrarte en el mundo del audiovisual?

DMN - Es vocacional. He sido un adicto al cine desde que tengo uso de razón. No puedo imaginar mi infancia sin mis cintas y mi video Grundig 2000, y más tarde, el VHS. Estudié mil cosas antes de dedicarme al audiovisual, hice un año de ingeniería, termine la licenciatura de historia, estudié topografía, música, diseño gráfico, japonés... Pero es el cine lo que me apasiona, y las pasiones son las que le satisfacen a uno, así que me lancé... y aquí sigo, tratando de no morirme de hambre.

ERH - Tus antecedentes son brillantes; eres realizador, productor y guionista. Cuando te ronda una idea ¿cómo la encajas, qué sombrero te pones?

DMN - Mi sombrero es el de realizador que escribe su película, o su documental, o su serie. Decidí renunciar al papel de productor. No me veo capacitado para llevar a la práctica esas oscuras artes de salón... A veces parece que hacen política en lugar de cine. Es algo que me supera. Admiro profundamente a los productores que son capaces de levantar una película; son héroes, pero no envidio su trabajo, no lo soporto.

ERH - ¿Qué te inspira cuando escribes una historia? ¿Qué te cuestionas como guionista? ¿Cuáles son los elementos que a tu juicio debe tener una buena historia?

DMN - No me considero escritor, me considero guionista. Con esto quiero decir que todo lo que escribo está traducido al audiovisual o nace directamente de un estímulo audiovisual. Empiezo a escribir pensando en un giro, en un suceso determinado, siempre en imágenes. A partir de ahí mi mente trabaja de forma mecánica, identificando los giros y el desenlace. Durante el proceso suelo cambiar mil veces la forma de las secuencias, el orden... pero rara vez termino cambiando los giros principales de las tramas, confío mucho en las primeras sensaciones de una historia, no me gusta malearlas demasiado; creo que trabajar excesivamente sobre el esqueleto de una historia le hace perder la frescura original y te lleva a olvidar el porqué te viste atraído por esa historia.

Para mí, una buena historia es la que consigue hacerme olvidar que estoy viendo una película. Eso es todo, y ya es bastante. Soy muy crítico con el cine en general, me gustan pocas películas, supongo que es un gaje del oficio, el estar analizando constantemente lo que ves a través de tus conocimientos y de tu experiencia. Te lleva algunas veces a no terminar de disfrutar de la experiencia.

ERH - Hace poco he leído que el mercado americano tiene en la actualidad centrado su foco de interés en la acción como elemento fundamental de la narración al margen de lo que sea que se cuente. ¿Existe una actitud de los guionistas para encaminarse hacia una historia u otra?

DMN - Estoy completamente de acuerdo con los métodos de creación de guión americanos. De la acción se destila la historia y el concepto, no al revés. Puede funcionar de esa forma, no lo niego, pero te puede conducir a ser didáctico, a sermonear, y eso no es algo positivo ni que el público acepte de buena gana.

Mi forma de trabajar es muy natural e instintiva, nace en la imagen y en la acción. Es a partir de ahí, cuando establezco el punto de inicio, cuando me doy cuenta de qué tipo de historia tengo entre manos, y del género de dicha historia.

ERH - ¿Nos siguen interesando los mitos en el cine? ¿Siguen funcionando las emociones?

DMN - Todo lo social está influenciado por lo mítico. Las historias, cualquier historia, en su forma de ser contada, también en su contenido, tienen origen en el mito. Las emociones siguen siendo las mismas, varían en matices, pero básicamente son las mismas. Es imposible desembarazarse de la figura del mito en la narración. Incluso Godard... En general pensamos que existe libertad a la hora de contar las historias, incluso hay quien piensa que hay espacio para la innovación. Es un espejismo. Field habla del guión como un vaso. Dice que hay muchos tipos de vaso, pero todos tienen forma cóncava para poder acumular sustancia... Yo estoy de acuerdo. Hay que echar el resto en el contenido del vaso, porque, a fin y al cabo, el vaso es irremediablemente cóncavo, eso no lo va a cambiar nadie.

ERH - En tu experiencia como guionista ¿el día a día supera a la ficción?

DMN - La realidad, a diferencia de la ficción, resulta inverosímil; se desarrolla a un ritmo de reality que no termina de funcionar.

ERH - En los trabajos por encargo ¿te puedes sustraer a las imposiciones, mantienes una relación con productor y director que te permite contrastar puntos de vista, etc.?.

DMN - Los guionistas debemos pensar siempre en la producción, tener bien presente el tipo de industria en la que trabajamos y su capacidad económica. No tiene sentido escribir historias de 30 millones de euros si trabajas en España. El sentido común debe manejar tu escritura si quieres que ésta llegue a algún lado.

ERH - En qué medida el guión aporta al director y viceversa ¿te has sentido alguna vez defraudado por el producto de tu trabajo en una dirección u otra?

DMN - No creo que haya ni un solo guionista que no se sienta defraudado al ver su obra en pantalla, dirigida por alguien diferente a él mismo. Es como si, después de criar a un niño durante diez años te dicen que tú no eres el padre. Todos los guionistas somos directores de nuestra escritura, al igual que todos los directores necesitan hacer suyo el guión, quieren aportar a la historia de alguna manera... Las tablas te hacen insensible a estas cosas, y debe ser así, es parte de la profesión.

ERH - Al director se le suele dar un papel preponderante tanto en cine como en televisión; la figura del guionista queda relegada a un segundo plano ¿Se empieza a considerar ahora al guionista? Habida cuenta de la proliferación de escuelas y centros de formación para guionistas. Además, cada vez encontramos más publicaciones acerca de la escritura de guión que bucean en técnicas del subconsciente ¿Es tan compleja la escritura de guiones?

DMN - Una película es una obra hecha por muchas manos, pero está orquestada por una sola persona, el director, y levantada por otra más, el productor. Yo, como guionista, me considero un artesano, o, si lo prefieres, un técnico. Es cierto que escribo la historia, pero también lo es que la historia está corregida, pulida y rescrita siguiendo las directrices del productor y del director, y son estos los principales responsables de la "traducción" de mi historia en imágenes. Ningún guión es respetado tal y como lo concibe el guionista.

Hay que saber el lugar de cada uno dentro de la cadena de producción, y su importancia. Es verdad que la figura del guionista está bastante denostada, y que podría recibir una mayor atención, traducida en mejoras contractuales y salariales, pero de ahí a, como reivindican algunos, colocar al guionista a la altura del director y del productor hay un buen trecho. Me parece una exageración. Lo realmente ideal sería que cada director escribiese sus propios guiones, o que al menos participase en la escritura de sus películas, así no habría problemas ni de autoría ni de egos.

MUDO, de Daniel Martín Novel

ERH - ¿Ha cambiado la escritura de guión, el oficio, con la incorporación de las NNTT en el cine?

DMN - No ha habido ningún cambio sustancial en la forma de las historias. Es verdad que ahora el volumen de trabajo es mayor ya que hay que producir material suficiente para rellenar todas las dimensiones de una producción audiovisual (web, redes sociales, blogs, epks, etc.), pero siempre es, en esencia, el mismo material, sólo cambia la forma.

Por otro lado, las nuevas tecnologías sí han implicado una mejora en el ámbito formativo de los guionistas. Tienen a su disposición, en la red, todo tipo de manuales, películas, tesis doctorales y una gran cantidad de datos y estudios. Pero básicamente el oficio es el mismo, las historias necesitan dedicación y cuidado tanto si utilizas Internet y ordenador, como si usas una libreta y un bolígrafo.

ERH - ¿Cuando se escribe un guión se contempla de antemano toda la maraña promocional que se tiene que generar alrededor del producto?

DMN - Cada vez más se incorpora, en las peticiones de los productores a los guionistas, material promocional para nuevas plataformas, sinopsis cortas, largas, argumentos, tratamientos de 10 páginas, de veinte páginas, los diálogos por separado, listas de secuencias, descripciones de personajes, motivaciones del guionista, referencias fílmicas, etc... En realidad uno piensa que lo quieren volver loco. No estaría mal generar un estándar para todos los guionistas, pero eso supone ponerse todos de acuerdo, y sin un sindicato es imposible hacer este tipo de cosas. Somos un país cainita; el que menos te lo esperas te apuñala por la espalda.

ERH - ¿Cómo ayuda internet al guionista?

DMN - Cada vez más pienso que Internet no ayuda si no que distrae. Lo que se ahorra en envíos y comunicaciones lo estás perdiendo en horas de trabajo, mirando el facebook, los correos. Internet lo carga el diablo.

ERH - Hablemos de transmedia ¿Te interesan estas nuevas formas de guionizar? ¿Lo ves como el futuro?

DMN - Siendo sincero, no creo en la existencia de la guionización para el transmedia. Es una patraña para sacar dinero en cursos, másters, etc. La multiplataforma no debe variar la construcción dramática, y menos aún, la percepción, el consumo de la historia. De ahí los enormes problemas de los transmedia para tener un público masivo. Se está pretendiendo variar las formas de consumo de historias y lo único que consiguen es distraer la atención del objeto principal, de la trama, y desviarla hacia un montón de gadgets y de "suplementos" que ensucian el consumo y terminan por disipar la atención de la audiencia. Es como ver un DVD de una película en la que van haciendo pausas para obligarte a ver todo el material extra... Acabas perdiendo el interés.

Este es el problema principal, y donde debe residir la novedad del transmedia, en ser capaces de transmitir una historia multiplataforma que pueda ser consumida sin interferencias. El reto es estructural, relacionado con los usos y costumbres de los consumidores, no con los creadores. Lo realmente novedoso del transmedia es el proceso de creación sobre proyecto, eso es lo verdaderamente complicado. Los cursos deberían estar orientados a los productores, no a los guionistas. Hablo con conocimiento de causa, después de tragarme decenas de proyectos transmedia de los que apenas puedo salvar un par de ellos.

ERH - Se habla de transmedia en todo producto que se precie ¿Crees que es necesaria esa operativa para llegar al público?  ¿Es una transversalidad enriquecedora, o simple y llanamente una estrategia de venta?

DMN - El transmedia es rentable cuando está acompañado de elementos de venta alternativos al proyecto de la película, como puedan ser cómics, novelas, música, merchandising... Siempre que se logre vender algo, claro está. Creo en el márketing en internet y en redes como algo imprescindible para cualquier producción, incluso creo que el transmedia es una buena táctica para producciones de género, pero, en el caso de películas más convencionales, dramas o comedias, creo que no funciona, aunque siempre hay excepciones, claro está.

ERH - ¿Es el guionista un mercenario a sueldo para el mejor postor?

DMN - El guionista es, la mayoría de las veces, un trabajador autónomo, y como tal presta sus servicios al que quiera contratarle. Hay que dejar de mitificar a los trabajadores del cine, porque tienen que pagar las mismas facturas que cualquier otro trabajador.

ERH - ¿Por qué falla el cine español y cuál es el remedio?

DMN - El problema del cine español es un problema cultural. El término "cine español" es utilizado la mayoría de las veces como despectivo; lo han convertido en un género en sí mismo. He recibido críticas de algún productor a alguna cosa que he escrito diciendo "esto es típico cine español, cámbialo...". Es patético. No hay una solución. Incluso suponiendo que funcionara el modelo de mecenazgo propuesto por el gobierno, el cine de este país seguiría apestado, siendo objeto de una incomprensible caza de brujas y de una persecución mediática fuera de lugar.

El remedio es coger nuestras cámaras, hacer películas con los amigos y cruzar los dedos para que funcionen en festivales. Si lo consigues, ahorra algo de dinero, haz las maletas y huye de este país cuanto antes. Eso voy a hacer yo dentro de unos meses, destino Buenos Aires.

ERH - ¿Tienes algún mentor? ¿Alguien que te haya estimulado al punto de desear ser guionista?

DMN - Mi única mentora es mi mujer, Patrioshka, que es quién me pasó los primeros apuntes de guión en la universidad mientras estudiaba historia. Gracias a ella sigo en esto.

ERH - ¿Qué guión te gustaría haber escrito?

DMN - Cientos. No sabría decidirme por uno en particular. Por nombrarte algunos: Andrei Rublev, Gritos y Susurros, El Infierno del Odio, Un condenado a muerte se ha escapado, Ordet, La Dolce Vita, El Espíritu de la Colmena, Lawrence de Arabia. Tengo también una especial predilección por los thrillers, desde El tercer Hombre hasta Un Profeta... y un larguísimo etcétera que no terminaría nunca.

ERH - Hablamos de Mudo. Con el curriculum que tienes, doy por hecho que tendrás muchas puertas abiertas.

DMN - Las puertas se han abierto, y se siguen abriendo para este proyecto, no nos podemos quejar, MUDO ha estado presente en las principales citas de producción y en markets de todo el mundo, Berlín, Utrecht, Montevideo, Guadalajara, Valdivia... Lo realmente complicado es que detrás de la puerta que se abre haya algo de dinero para producir. El mundo está en crisis y se nota.

ERH - El artista, en ocasiones, se proyecta en el trabajo creativo ¿Te sucede esto con Mudo?

DMN - Mudo es un proyecto de autor, con mucha carga artística y mucha cinefilia, pero como guionista no me gusta considerarme artista. Sí me gusta pensar que como realizador pueda conseguir llegar al nivel de producir arte, pero eso aún hay que demostrarlo.

ERH - ¿Cómo surge Mudo?

DMN - Es uno de mis primeros guiones; empezó a escribirse hace nueve años y aún seguimos trabajando en él. La idea de MUDO nace de múltiples fuentes, algunas cinéfilas y otras de mi propia experiencia. Junto con la necesidad de contar esta historia, nace la idea de plasmar en imágenes un tipo de cine diferente, distinto, más concentrado en transmitir sensaciones y sentimientos que nos coloquen en encrucijadas morales. Quiero hacer pensar a la gente, además de hacerles sufrir.

ERH - ¿Cuándo concebiste Mudo pensabas en los festivales como meta inmediata?

DMN - Cuando escribes un guión no piensas en los festivales, lo haces por necesidad, necesitas contarlo. Ni siquiera me planteo que los guiones que escribo vayan a llegar a las pantallas. Te pongo un ejemplo, la primera vez que presenté un guión a una productora ya tenía escritos ocho guiones y otros cinco tratamientos.

Por supuesto que me encantaría que Mudo estuviese en festivales, pero no es una meta, es el medio para llegar a las pantallas.

ERH - ¿Cuál crees que es la razón por la que tiene tan buena acogida en los festivales donde se ha presentado?

DMN - No es una historia como otra cualquiera, es, ante todo, una historia verdadera, rebosante de realidad, inspirada en modelos reales que habitan un lugar real, a las afueras de una ciudad, fácilmente extrapolable a cualquier otra capital en la actualidad, eso es precisamente lo que la hace accesible.

Formalmente creo que es una historia bien escrita, muy trabajada en estructura y personajes, diferente, en cierto modo, en el planteamiento de su contenido y en la caracterización y psicología de los personajes; muy dura, extremadamente violenta, pero, al mismo tiempo, muy cercana, muy comprensible en cualquier lugar del mundo.

ERH - ¿Cómo vas a afrontar la dirección de esta película? ¿Siempre has tenido claro que la tenías que dirigir tú?

DMN - Es una historia muy personal, pero como guionista tengo claro que la decisión de dirigirla no me corresponde a mí. Estoy muy agradecido a Impronta Films por haber depositado tanta confianza en mí y en mi capacidad. Espero no defraudarles. He cuidado su tratamiento visual al máximo, al contrario de lo que se debe hacer escribiendo un guión; prácticamente he dirigido la película sobre papel, por lo que el planteamiento visual está bastante claro.

ERH - ¿Mudo va dirigido a un público concreto?

DMN - No es una historia para niños, eso es seguro. Es un cine difícil, con una historia extremadamente dura, por lo que no es accesible para todos los públicos.

ERH - ¿Qué trabas te puedes encontrar más adelante?

DMN - ¿Qué no son trabas a la hora de producir una película? Lo extraño sería que algo resultase fácil.

ERH - ¿Tienes solucionada la financiación?

DMN - Ojalá.

Gracias Daniel y mucha suerte.

Última actualización el Ago262012
   
Jul032012
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Redacción

LuisPelayoJunquera-elrollohigienico

Cuando iniciamos esta aventura higiénica necesitábamos de algo que nos purificara los poros de lo ordinario, de ese devenir cotidiano a menudo tan castrante y desalentador. También, porque como grupo de insectos de una especie desprotegida (lo de insectos hila por lo pequeño, diminuto, que no insignificante), topábamos continuamente con otros colegas tocados con la cimera invisible, que no invencible. Por esta razón decidimos desenrollar el rollo.

Y en este trasiego que nos ocupa nos encontramos con Luis Pelayo Junquera, animador asturiano formado en la Escuela de Cine, y autor de una decena de cortometrajes y proyectos de animación entre los que se encuentra su último trabajo, "Esuki, The Little Yaqui", el teaser de una serie enfocada a un público de entre 6 y 10 años, que consta de 26 episodios autoconclusivos de 10 minutos de duración cada uno.

"A los 18 me dio por apuntarme en la Escuela de Cine y tomármelo como si fuera una carrera de verdad, de esas que después dan trabajo y dinero... Ya sabéis... esas... Salí de la escuela creyéndome que era guionista. Pero, aunque escribía dramas, en todas las productoras se reían de mí" -nos cuenta Luis con un sentido del humor excepcional.

A la vista de semejante panorama, Luis comenzó a estudiar animación con el convencimiento de que el mercado era más receptivo a ideas nuevas, pero "las vacas gordas huyeron despavorías al verme llegar", dice al hilo del comienzo de lo que en sus inicios se vendió como una recesión sin importancia y, con el tiempo, derivó en "recortes en las subvenciones, la suspensión de pagos y el cierre de todo lo cerrable".

Con 28 años, y abundante y buenísimo trabajo detrás, Luis afronta la producción propia de cortometrajes como "Coronation" y "Do Not Fall in New York City". En la actualidad, compagina el desarrollo de la serie "Esuki, The Little Yaqui", con el proyecto de novela gráfica "Light Orphans".

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"Esuki, The Little Yaqui" parte de la idea original de la animadora mexicana Candi Hinojosa, colaboradora habitual de Luis.  "Candi me envía propuestas bastante imaginativas, con la esperanza de que las reescriba, las ordene, la produzca, las empaquete y, si puedo, (mucho suponer) las venda", apostilla Luis, quien ha afrontado la producción y postproducción del teaser, aún cuando ha contado con la colaboración de Marcos Cabal, encargado de la sonorización, y Enol Junquera, Andrés Barriales y Pablo Viejo, hermano y amigos de Luis que han puesto las voces a los personajes. 

La serie está pensada, escrita e interpretada en inglés por dos razones que Luis nos explica: "Primero, porque ninguna sección oficial de festivales de España elige mis cortometrajes; como en el resto del mundo sí lo hacen, prefiero que los que lo vean lo entiendan. Y segundo, y aun más lógico, la producción de una serie de animación sale por unos cuantos millones, y no es normal que el inversor principal sea español. ¿Nuestros ricos tienen prejuicios?. Ahí entra lo bonito de "internet" y la magia del google, amazon, facebook, youtube, los blogs, el I-pad, el twitter, o vimeo; empresas y herramientas que pronto dominarán el mundo y nos someterán con mano férrea, pero que ahora mismo pueden empezar a utilizarse como distribuidoras alternativas y catapultas de proyectos que, de haber nacido en otras épocas, estarían destinados al completo anonimato".

 

Última actualización el Jul042012
   

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