El contenido de esta página requiere una versión más reciente de Adobe Flash Player.

Obtener Adobe Flash Player

You must have the Adobe Flash Player installed to view this player.

Música

Dic142012
PDFImprimirE-mail
Redacción

boikot-elrollohigienico

Cuando ya creíamos que estaba todo perdido vuelve Boikot y revienta el parqué. Son momentos mágicos, depuradores de esa mirada plana que nos había crecido bajo las cejas apalancadas. Otra vez la conciencia de un sonido que suena a calle, a gente cabreada, a Work & Roll, como dice Juan C. "Grass" Zapata en la entrevista, la sorpresa que nos vuelve a agitar mucho por ahí dentro y que tanto agradecemos.

Y es que Boikot son la banda currante por mérito propio. No hay material superfluo en ninguno de sus temas, sus historias están tejidas con jirones y son verdaderas, igual que la puesta en escena, potente y sin pretensiones, directa y cortante.

El Rollo estuvo con Boikot en Sevilla, el pasado 24 de noviembre en la Sala Custom, antes de la presentación en directo de "Lágrimas de Rabia". Algo ha llovido pero no lo suficiente como para borrar la huella del agradable encuentro y el memorable concierto.

Gracias Boikot por una noche de mirada bárbara entre birra y barra.

Última actualización el Dic142012
 
Oct242012
PDFImprimirE-mail
Redacción

Entrevista a Ale Romero, músico en Saltimbanco, Circo del Sol

Se inició en la composición sacando melodías a un Casio PT-1 cuando aún era un chiquillo; y es que la querencia de su padre, Lorenzo Romero García, figura emblemática en los albores del rock nacional, por la buena música, no hizo sino alentar una vocación forjada en el aprendizaje continuo. 

"A los 15 años ingresé en el conservatorio, estuve tres años estudiando solfeo, porque no había plaza para clases de piano (el criterio de adjudicación era por orden de solicitud y edad), así que me aburrí y lo dejé para aprender por mi cuenta", nos dice Ale Romero, músico, compositor, arreglista y productor de artistas como India Martínez, Laura Gallego o Marta Quintero.

Ale Romero aprendió a leer música y cifrado americano hasta que, a los 22 años, conoció a Rafa Garcés, un saxofonista y pianista cubano, que le enseñó sobre armonía y técnica, brindándole la oportunidad de formar parte de su grupo "Aborigen Cuban Jazz", donde se lanzó a la improvisación; y de aquí a acompañar a gente como Vanesa Martí, Malú, Pastora Soler, India Martínez o Manuel Carrasco.

También ha tocado con artistas de Flamenco como Antonio Rey, Pedro Sierra, David Palomar, Junco, Argentina, David Morales, Pilar Ogalla,  Andrés Peña o Antonio Rey, cuyo último trabajo, Colores de fuego, se ha presentado este año en la Bienal de Sevilla. Con David de María tuvo y mantiene una relación de confianza, fue su director musical hasta que entra a formar parte del elenco de músicos de la compañía canadiense Circo del Sol. 

La historia con el circo comienza en 2004, durante una función de Saltimbanco en Sevilla. "Me quedé prendado y me imaginé tocando ahí. Al cabo del tiempo me dió por buscar en internet y mandé un vídeo al departamento de casting; a los dos meses me llamaron y, casualmente, el espectáculo donde trabajo es Saltimbanco".

Durante siete meses, Ale Romero sustituyó al pianista, de baja por enfermedad; luego le hicieron un contrato permanente y ahí sigue, de gira por Asia, Europa, Estados Unidos, Lationoamérica y Montreal, una plaza simbólica que dará fin a Saltimbanco el 30 de diciembre, después de 20 años de espectáculo en activo. 

ERH - ¿Háblanos de tu entrada en el Circo del Sol y de tu papel en Saltimbanco?

AR - Como te he comentado, en el año 2004 vi Saltimbanco en Sevilla y quedé totalmente atrapado por el Cirque du soleil. Quedé en shock con la música y con la banda en directo, y me imaginé tocando ahí; pero por aquel entonces yo no me sentía preparado y lo dejé pasar. Al cabo del tiempo, vi en la web un apartado llamado "trabaje con nosotros", donde te dan las pautas para mandarles un vídeo-casting con canciones que te proponen y con algo tuyo. Así lo hice.

A los dos meses me llegó un e-mail para incorporarme a Saltimbanco. Normalmente, el proceso de selección es más complejo, ya que después del vídeo suelen hacer un casting en París, Las Vegas, etc. Sin embargo, el pianista en Saltimbanco tuvo un problema de espalda y no tenían tiempo para mucho, así que tuve la suerte de entrar directamente.

ERH - Tú eres compositor, arreglista, músico autodidacta ¿Para entrar en el Circo del Sol tuviste que desarrollar también tus dotes actorales?

AR - En el show también tengo partes no musicales como un juego con el público y algunos momentos divertidos con el clown. No es algo que te dicen antes de entrar en un espectáculo, creo que dan por hecho que tienes la cara muy dura. Me imagino que en los castings no sólo buscan un músico que pueda defender un repertorio; hay muchos más factores que seguro tienen en cuenta.

AleRomero2-elrollohigienico

ERH - ¿Cómo se prepara un espectáculo? ¿Qué tipo de investigación se hace?

AR - Por lo que he podido darme cuenta en el tiempo que llevo en la compañía, el circo elige a un creador, normalmente gente con mucha experiencia en el mundo del espectáculo (Robert Lepage, Dominic Champagne, Phillipe Decouflé); a partir de ahí, van creando un show desde cero, y durante meses van retocando y retocando hasta que está listo. La investigación corre a cargo del creador, me imagino que le proponen una temática o unas ideas y entre todos van dándole forma. Os recomiendo un documental llamado FIRE WITHIN donde se puede ver cómo crean el show Varekai.

ERH - ¿Participáis en la creación los artistas? 

AR - No he tenido la suerte de participar en una nueva creación. Debe ser una experiencia única ver cómo va naciendo algo nuevo. La música de cada espectáculo está compuesta por grandes compositores. Por ejemplo, el show Iris, dedicado al cine, contó con Danny Elfman, autor de la música de las películas de Tim Burton, entre otros. Una vez compuesta la música, hay que adaptarla a cada número. Me imagino que en ese proceso tienen en cuenta las ideas que cada uno propone y todo está sujeto a cambios para llegar a la perfección. En otros shows como Ovo, me consta que la banda participó en la composición de algunas canciones.

En el caso del resto (acróbatas, atletas, malabaristas..), la mayoría de las veces el circo crea un número y ellos deben entrenar y aprenderlo; en otras, por el contrario, el circo se adapta al número que propone el artista dándole el punto necesario para integrarlo en el show.

ERH - ¿Hay espacio para la improvisación en un espectáculo?

AR - En Saltimbanco tenemos la suerte de que la música es muy agradecida y se puede improvisar mucho. Cada tema tiene su estructura definida, pero todo es diferente cada día; si fuera exactamente lo mismo a diario sería muy aburrido.

ERH - El Circo del Sol tiene en la actualidad 21 shows en todo el mundo ¿Cada artista es exclusivo de un montaje? ¿Son totalmente independientes unos de otros?

AR - Los 21 shows están actuando a la misma vez por lo que cada uno tiene su propia plantilla. Hay artistas que cambian de show por cambiar de aire, o bien porque son necesarios en otro espectáculo; pero nunca están en dos shows al mismo tiempo, sería imposible. En Saltimbanco somos alrededor de 110 personas en tour incluyendo artistas, personal, cocina, etc.

ERH - Saltimbanco acaba en Montreal el 30 de diciembre, después de 20 años en escena ¿Sabes ya cuál va a ser tu próximo espectáculo en el Circo del Sol?

AR - Hace unos meses nos visitó el equipo de casting de Montreal y tuvimos entrevistas y charlas sobre nuestras preferencias. Sin embargo, hasta que no termine Saltimbanco no se sabrá nada. Es difícil que un artista deje su puesto ya que es una compañía donde el trabajador suele estar muy bien considerado. Por lo tanto pueden volver a llamarme en un mes o quizás en varios, pero tampoco es una cosa que me preocupe mucho, con esta experiencia vivida me es suficiente; aunque me gustaría trabajar en otro show, por supuesto.

ERH - ¿Cómo se lleva la vida circense, cómo es un día de trabajo en el Circo del Sol?

AR - Te cuento mi día de hoy. Para ponerte en antecedente, estamos una o dos semanas en cada ciudad, a diferencia de los espectáculos de carpa, que están dos o tres meses. Saltimbanco, por ejemplo, actúa desde hace cinco años en pabellones de deporte, donde puede entrar más gente. Pues bien, hemos tenido un par de días libres, y hoy miércoles 10 de octubre, tenemos la premier en Portland (Maine). A las cinco de la tarde tenemos prueba de sonido, y a las siete y media es el show. Suelo llegar antes para comer, y entre la prueba y el show aprovecho para maquillarme, que me lleva tiempo, alrededor de una hora y cuarto. El show está dividido en dos partes de una hora de duración cada una, y un intermedio de veinte minutos que aprovecho  para cenar o hablar con la familia. Hay veces, sobre todo los fines de semana, que tenemos dos shows por lo que suelo estar sobre la una de la tarde en el circo.

La vida en esta compañía es bastante agradecida. Tenemos tiempo de conocer las ciudades, y al visitar una diferente cada semana he podido conocer buena parte del mundo.

ERH - Tu historial como músico lleva asociado colaboraciones con artistas importantes de nuestro país. Has terminado el disco de Marta Quintero, y estás trabajando en el nuevo álbum de India Martinez y Laura Gallego ¿De dónde sacas el tiempo, habida cuenta de que estáis de gira continuamente? ¿Cómo lo haces?

AR - El circo te facilita mucho las cosas en cuanto a logística. Además de mi equipaje, yo viajo con parte de mi estudio: un piano eléctrico y una tarjeta de sonido, que me permite poder seguir trabajando en España. Teniendo un par de días libres y las mañanas no es tan difícil.

Gracias Ale.

Última actualización el Oct262012
   
Oct192012
PDFImprimirE-mail
Redacción

Entrevista a D.A.0 DeAcero en Fnac Sevilla

El 1 de octubre, coincidiendo con la salida de su primer álbum "...CERO",  D.A.0 estuvieron en Sevilla, en el Fnac, donde ofrecieron un pequeño concierto y tuvieron la amabilidad de charlar un rato con nosotros.

"...CERO" es un largo potente y compacto, sostenido por once temas muy bien trabajados tanto lírica como musicalmente, crítico con los tiempos que vivimos y comprometido con los valores sociales. El álbum ha contado con gente de altura del rock sevillano como Marcos Molina, Vikingo M.D. y Fernando Medina; además del navarro Kutxi Romero.

Última actualización el Oct192012
   
Sep232012
PDFImprimirE-mail
Redacción

 TransidoFGA-elrollohigienico

Hace unos días presentamos el nuevo trabajo de Francisco Gómez Arnáiz, Transido, llamado "Puentes", una producción que combina instrumentación acústica y eléctrica con letras de alto voltaje social y cotidiano, un disco que habla de ausencia, del tráfico humano, del exterminio de personas, del amor.

Para conocer más sobre esta interesante obra y todo lo que subyace alrededor de ella, nos reunimos con su autor, Francisco Gómez Arnáiz, con unos cafés de por medio.

ERH - ¿Quién está detrás de Transido?

FGA - Transido no tiene que ver con "ser", sino con una forma de "estar", una manera de percibir, de dejarse transir, de abandono si quieres ante sentimientos, emociones o sensaciones intensas, que nos embargan y con facilidad nos descolocan.

En este sentido es un estado anímico que se nutre, para poderse expresar, del sonido articulado a través de la música. Un estado de ánimo inútil e improductivo para un mundo mercantilizado que intercambia fundamentalmente basura.

ERH - ¿Son la filosofía y la poesía estímulos para transitar por la vida?

FGA - No son sólo estímulos, son la consecuencia y la causa del propio transitar. La posibilidad del asombro es lo que me impulsa a componer y la intuición es lo que me permite dar un sentido, una forma, a las emociones y sensaciones.

Ambas opciones me permiten resistir a ese desencanto que se produce por el desinterés orientado hacia la ignorancia, que es el modelo ético y estético que se nos impone, junto al desprecio y la indiferencia por el otro.

ERH - ¿Tienes referentes poéticos cuando te enfrentas al acto de creación?

FGA - Más que de "creación" hablemos de "composición". Los creativos hoy sirven casi en exclusiva al mundo publicitario. Hoy "lo poético", en gran medida, puede ser un antídoto contra las relaciones mercantiles en todos sus ámbitos.

No musico poemas, porque no hago poemas para los temas, sino textos adaptados a una linea musical instrumental previa, porque cada composición es musical en su conjunto y eso incluye voz y esa voz dice, expresa sensaciones y sentimientos, y de ese modo sí recurro a la "evocación poética", intentando que en el texto de un tema se compagine en lo posible sentido y sonido a través de las propias palabras. Pero a veces pesa más el sentido y entonces estamos ante textos sobre lo cotidiano. En otras ocasiones es el propio sonido el que busca lo lírico en el texto, intentando evocar a través de la musicalidad de la propia palabra.

Me interesa tanto el mensaje implícito y directo del texto, ya sea como denuncia o crítica social, como la parte musical del mismo, fundamentada en la modulación de la palabra que permite evocar a partir de la emoción. Conjugar todo a la vez no es necesario y es a veces contraproducente. Por eso hay temas en los que predominan textos sobre lo cotidiano y otros que sólo pretenden evocar, evocar como posibilidad a través del sonido de asociar vivencias, recuerdos, lugares, a alguna sensación.

Para la composición suelo, en cada uno de los trabajos, tener una referencia temática para algún tema concreto, que marque en gran medida el sentido de fondo que quiero dar al conjunto de los temas, un motivo que me deslumbra y que expresaron por ejemplo en, "Carne de mi carne" J. Larrea, "The sick rose" W. Blake, "Iluminaciones IV" A. Rimbaud, "Conjuros" de Chantall Maillard.

Transido-Puentes-elrollohigienico

ERH - ¿Debe ser la música un arma de agitación?

FGA - No necesariamente, la música trasciende esa agitación por sí misma, dado que es efímera al interpretarse. Todo aquello de "la poesía al servicio de la revolución", o lo del "rock como instrumento de liberación", etc. eran o son aún tópicos promocionales al servicio de intereses espurios una vez que "la revolución" ya fue asumida y consumida por el propio sistema a través de la realpolitik, o "la liberación", fue una propuesta publicitaria extraída del freudomarxismo de la escuela de Frankfurt.

La música puede agitar, debe agitar, pero no en un sentido dirigido, sino imprevisible e impredecible. Y no sólo hacia la conciencia, porque no va dirigida exclusivamente a ella, sino también a otros sentidos. Para ello es necesario una actitud al componer que viene de cómo se vive, pero también al escuchar. Si no se produce sorpresa en ambas direcciones, al interpretar o al escuchar, difícilmente habrá complicidad, participación, comunicación.

ERH - ¿Qué autores te interesan?

FGA - Más que los autores me interesan los temas, más que el músico me interesa la canción. La transcendencia, aquello que es prescindible, lo pueden obtener las obras con independencia de su autoría. Ese culto al Ser de Occidente, a la personalidad, al padre, a la autoridad es lo prescindible vinculado a una obra. Por eso las obras anónimas cobran otro valor, sin suplementos. Al final al autor lo nombra la obra por mucho que quiera firmarse ésta. El autor es con frecuencia un impostor.

Se puede hablar de reencuentro en este disco ¿Cuánto tiempo hacía que no tocabas con Faín?

Sí, se ha producido un reencuentro musical a través de este trabajo con Faín Dueñas. Es también un "puente" entre ambos. Aprendí mucho sobre la importancia del sonido y sobre la guitarra con él en los ´70´. Después cada uno llevó su camino hasta este reencuentro. Yo lo he provocado, en gran medida, acercando algunas de mis composiciones al estilo en el que él estaba como instrumentista de percusión, cercano a la étnico. Creo que él también lo ha hecho arreglando y produciendo los temas crudos y desnudos de autor que hay en este trabajo y que no llevan percusiones.

FranciscoGomesArnaiz-FainSDueñas

ERH - ¿Cómo surgen estos once temas? ¿Qué los ha inspirado?

FGA - Surgen por ese acercamiento al componer y por el previo conocimiento mutuo de los trabajos de cada uno. Por mi parte, por la sorpresa de hacer algo distinto a lo que habitualmente hacía, que era más cercano al pop-rock. Me ha inspirado la propia forma de interpretación, en ocasiones música interpretada para grupo, y otras música para interpretar en solitario o a dúo. Luego, como ya te he contado, hay sentido social y cotidiano tratando temas sobre las barreras al tránsito libre de personas en "De sur a norte", el exterminio de personas en Oriente próximo por cualquiera de las causas ajenas a sus propios intereses en "Blues Kurdo", el orden inmobiliario que nos han impuesto a través del crédito yugular y nos ha conducido en gran medida a nuestra singular "crisis" en "Flores de Papel", o en la expulsión sobre las personas cuando tienen hambre y sed en "Llueve". Por otro lado me he centrado en la "ausencia" como recurso poético para evocar emociones o sensaciones comunes que nos identifiquen.

ERH - ¿Cuánto tiempo os ha llevado elaborar Puentes?

FGA - Dos años y medio aproximadamente, con intervalos para descansar y atender a otros compromisos. Ha sido, por un lado, un trabajo muy espontáneo en la composición, pero también muy labrado y meticuloso, verdaderamente artesanal, en la producción instrumental, edición y mezcla, que ha sido junto a la percusión y guitarra eléctrica el grueso del trabajo de Faín Dueñas como productor artístico del CD. Sin su aportación no hubiera sido posible ni siquiera algo similar a lo realizado.

ERH - ¿Cómo te encuentras en esta nueva etapa musical?

FGA - Ante una incertidumbre que me motiva, que es exponerlo en directo, sin la participación de Faín, que vive en estos momentos entre Hamburgo y Madrid, pero con excelentes músicos de Sevilla. Esperamos presentarlo a finales de noviembre en el teatro La Imperdible, ofreciendo otros pequeños conciertos previos de rodaje, y en Madrid en diciembre, si no se tuercen las previsiones.

ERH - ¿El soporte físico para la música ha muerto?

FGA - No necesariamente. Para mí esta autoproducción en CD, como tantos otros discos en el mundo, tiene un importante valor en sí mismo, ya que hay una producción exquisita, muy cuidada, por lo que no es un CD más en mi producción musical, tiene otro valor. Por eso lo hemos fabricado y distribuido a través de Resistencia que ha mostrado verdadero interés en él.

Pero con independencia del posible valor fetichista para coleccionistas, el soporte físico es también un recurso para la promoción en los directos y en los distintos medios de comunicación que pueden promocionarlo.

ERH - El directo puede ser un castigo o un premio para el músico ¿Quién se beneficia de ello?

FGA - El directo es la única realidad en música. En las grabaciones hay directo, las tomas, pero mucha edición y por ello es más virtual, tiene por tanto otro valor más documental o testimonial si se quiere, éste no es un valor menor, sino distinto.

El directo es un premio para el músico si consigue crear la atmósfera necesaria para la complicidad. En este sentido, cada tipo de música puede requerir un tipo de escena, de espacio, para interpretarse adecuadamente, con independencia también de los medios técnicos. Es un castigo, si por lo que haces te tienes que enfrentar al ruido de fondo en muchos garitos, en los que la música es un complemento para el consumo, parte del decorado o de la estética del lugar, sin importar mucho su expresión.

Por otro lado, a la vista del declive de la industria discográfica, los exiguos beneficios por royalties en la venta por Internet para la mayoría de los músicos, el directo aparecía como la solución a la falta de recursos económicos para sobrevivir. Pero esto no está sucediendo por distintos factores, entre ellos el de la creencia extendida entre el público en España de que la música es algo que no tiene valor, ni siquiera económico, que es "gratis" y, a lo sumo, de usar y tirar. Esto es la consecuencia originada por "la ignorancia", "el desprecio" y "la indiferencia" que marcan en gran medida las relaciones personales y sociales y que ya comenté al principio. También, por la falta de inversión privada en la propia música, porque esa inversión suele estar vinculada con los negocios de restauración, los abrevaderos para entendernos coloquialmente, en los que se paga poco a los músicos, o incluso te cobran por tocar, para que financies previamente tu propio concierto. Todo el riego para el músico, desde que compone hasta que interpreta. También influye el momento económico, no muy propicio para que las instituciones públicas apoyen en lo posible a este sector. Igualmente, la aparición de nuevos intermediarios en la cadena de producción, que prestan un servicio a las Salas pero que se lo cobran a los músicos (¡!), y los concursos piramidales, toda una modalidad de timo para músicos y público. Y por último, los medios de comunicación o de promoción, tan acostumbrados a recibir primas por su labor y demás fiestas de las moribundas discográficas, que hoy ya no se perciben y que aún no tienen asumido su papel de comunicación cultural.

Esta es una situación que sólo los músicos pueden intentar cambiar.

ERH - Este disco es más pausado que tu anterior entrega ¿Hacia dónde evoluciona tu música?

FGA - Tengo varias vías abiertas, como varios libros de lectura, etc... Esta de "Puentes" que estoy desarrollando en directo, otra de autor crudo en solitario o a dúo, muy íntima, y la de laboratorio, con fundamentos cercanos al rock, blues, country, etc... con un CD ya preparado llamado "A vueltas contigo" para una próxima distribución y difusión, que tendrá que esperar mientras haya posibilidad de establecer nuevos "Puentes".

Gracias Francisco. 

Última actualización el Sep242012
   
Jun292012
PDFImprimirE-mail
Redacción

daniel-piquê-elrollohigienico

Daniel Piquê, el joven y gran cazador de sonidos, tuvo la responsabilidad de inaugurar las noches que ha durado la gira Dream Mechanism Tour 2012, de Tony Macalpine. Este guitarrista basileño, aquí apenas conocido, se ha codeado sin embargo con los grandes. Nombres como Billy Sheehan (Steve Vai, David Lee Roth, Mr. Big y Talas), Mike Mangini (profesor en el Berklee College of Music en Boston, musico de sesión de Extreme, Steve Vai y actual baterista de la banda de metal progresivo Dream Theater), Timo Tolkki (Stratovarius, Revolution Renaissance), y un largo etc. han apostado por él. A su temprana edad, lo vemos en portadas de revistas especializadas y está siendo patrocinado por TC Electronic.

Conocimos personalmente a Daniel la noche del concierto en Sevilla. Nos tomamos un café en las proximidades de la Fanatic, pero ante la algaravía por la retransmisión televisiva futbolera a esas horas -Sevilla/Barça en el Sánchez Pizjuán- aparcamos la entrevista para después de la gira. Al cabo de los meses, Daniel nos ha abierto las puertas de su estudio y hemos podido entrevistarlo sin ruidos de fondo y con sus propios medios.

La cita sevillana del Dream Mechanism Tour 2012 nos obsequió a un Piquê soberbio, solo en el escenario, acompañado de su guitarra, y enfundado en los colores de su país. Billy Sheehan, Fabio Laguna y Mike Mangini están siempre presentes en la puesta en escena de Daniel, una magnífica intervención de apenas media hora. No es esta la primera vez vez que se ha acercado a Europa; son sus viajes a lo largo del mundo y su genio los que precisamente lo han acercado a músicos de renombre internacional.

 

Última actualización el Jun292012
   

Página 2 de 4